m.a.g.

Mary Garlic: Moda, Caos y Filosofía Alienígena

Hace unos meses, mientras caminaba por las calles del Raval en Barcelona, me dejé llevar por el agasajo de la ropa second hand y el vintage. Entré en una tienda al azar y de repente, me encontré con una chica que, con su halo y humor, compartía mi fascinación por lo antiguo. Allí, entre chaquetas de cuero y vestidos de Westwood, comenzamos a hablar sobre cómo cada prenda vintage tiene el dominio de encarnarnos en personajes.

Más tarde, nos presentamos y para mi sorpresa, descubrí que estaba hablando con la personalidad misteriosa detrás de Mary Garlic, esa marca que había seguido durante años.
Fast forward a cinco meses después: me encuentro con ella de nuevo, esta vez en una tetería china en medio del barrio de Sants, lista para hacerle esta entrevista. Grabadora encendida y sorbito de té, comenzamos una serie de preguntas y respuestas que ahora se despliegan en vuestro smartphone mientras os dirigís a la oficina o encontráis una postura cómoda en la cama, prestos a zambulliros en una conversación que fluye como el té en nuestras tazas.

LEMACHET, el nuevo rostro de la masculinidad

Hay algo poderoso en el acto de reorganizar: un proceso que, aunque dudoso, termina revelando nuevos caudales. La nueva colección Re-arrange de Lemāchet nos hace tomar un viaje hacia donde la masculinidad tradicional es desmantelada y reformada en algo infinitamente más libre. En su desfile de la 34ª edición de la 080, la marca, fundada por Lucía Sánchez, entrega una nueva visión del hombre contemporáneo y lo hace creando un diálogo en el que la moda se convierte en un medio de cuestionamiento y evolución que redibuja los límites.

El trabajo de Sánchez desafía la firmeza de la sastrería masculina clásica con finuras subversivas. Vimos corbatas que se incorporan al patrón de las camisas, flores tridimensionales incrustadas y tejidos fluidos que redefinen el concepto de volumen masculino. Estos detalles, haciendo miscelánea, crearon una narrativa que dice que la masculinidad no es un concepto inapelable.

Lo que destaca en esta propuesta no es solo su estética, sino su profunda reflexión sobre lo que significa ser hombre hoy en día. Como bien nos expresó la diseñadora: “No se concibe Lemāchet sin el objetivo de revolucionar la moda masculina. Y bien es cierto que en el foco social ya hay pequeños cambios que se están haciendo y proponiendo para este nuevo hombre, un hombre con una masculinidad mucho más deconstruida; justo ahí se encuentra Lemāchet, ofreciendo ese lugar seguro.”

«UNA BALLENA», todo aquello que no vemos

Profunda, cuidada, fría, discreta, silenciosa, bella, misteriosa… Todo ello es “Una Ballena”, lo es el film, lo es ella, nuestra protagonista (Ingrid García Jonsson), y lo es la cámara que la retrata, así como la propia historia: la de una asesina a sueldo. Actos de frialdad abrumadora, contexto de frialdad abrumadora, de la mano de una soledad sobrecogedora… una mujer escurriéndose entre un mundo de hombres, abandonando su humanidad, y convirtiéndose así en un ser invisible, oculto. Una fuerza increíble pero invisible, escondida en las profundidades, en la oscuridad, en el silencio… todo reforzado por un poderoso paralelismo con la criatura de la ballena y su alma de mar.

Visualmente generando una puesta en escena meticulosa, coherentemente meticulosa, también como ella; impregnada de simbología y poesía visual, convirtiendo así la película en un meticuloso y frío retrato de un meticuloso y frío cometido.
Un film con reminiscencias de cine negro, y asimismo creando una simbiosis entre el cine poético y el realismo mágico. Magia elegante y lírica; fantasía preciosista. Una metáfora constante que conecta al personaje principal con el misterioso ser marino de una ballena, a la que se le otorgan pinceladas de una criatura mágica. Así es cómo Pablo Hernando, director de la obra, las conecta narrativamente a través de la unión física de sus cuerpos, y al mismo tiempo las unifica poética y cinematográficamente gracias a las decisiones creativas y visuales que la envuelven, que la mecen como la ballena a ella.

FATIMA MIÑANA: The Art of Loss

El arte de esperar no es fácil, pero cuando te encuentras en la antesala de algo impredecible, la expectativa se convierte en inquietud. Sin embargo, el afán habitual que trae un desfile de FATIMA MIÑANA es como aguardar el primer aliento después de una larga inmersión, pero nada nos preparó para lo que sentimos cuando las luces se apagaron y el primer sonido retumbó en la sala. Una bulla metálica, junto a un grito desgarrador, nos hizo a todos erguirnos del asiento, atrapados en esa incomodidad adictiva que solo lxs grandes diseñadorxs saben provocar.
La colección The Art of Loss no solo habla de moda; habla de la endeblez de la vida misma. Inspirada en la obra de Egon Schiele, cada prenda es una metáfora vestible del duelo. Desde la primera aparición de una capa oscura, hasta las flores que brotan de una «herida» en el pecho de una blusa, todo está cargado de un simbolismo que no puedes pasar por alto. El duelo, la pérdida, la muerte: son ideas pesadas, pero aquí están drapeadas, deconstruidas y reensambladas con una precisión que escama. ¿Cómo convertir algo tan intangible en algo tan real? Pues bien, FATIMA MIÑANA lo ha hecho de nuevo.

The Room Next Door / La habitación de al lado

Pedro Almodóvar’s first English-language feature film was probably one of the most eagerly anticipated screenings at the Venice Film Festival 2024. It delves into heavy moral questions surrounding assisted dying, euthanasia, and the growing existential threat of climate change. At the heart of the story are two iconic characters: Martha (played by Tilda Swinton) and Ingrid (Julianne Moore). The film opens with their reunion, where Ingrid has only just discovered that Martha is terminally ill, setting the stage for a deep exploration of their relationship amid challenging circumstances. Martha reveals that she plans to end her life before the disease does, and wants Ingrid to accompany her in this final chapter.

Despite the film’s focus on pressing, contemporary themes, it falters where it counts the most: storytelling. The dialogue, overly verbose at times, often limits the performances of Swinton and Moore, making it feel as though they are reciting lines rather than fully embodying their characters. Yet, Julianne Moore still shines in the role of Ingrid, infusing the character with a depth and authenticity that anchor the film. Her portrayal taps into a genuine emotional resonance and provides much-needed warmth amid otherwise detached, stilted dialogue. Swinton, while brilliant in her own right, seems stifled by the weight of the script, unable to fully capture the layers of her character in the way Moore does. Still, both actresses showcase their skill in navigating such complex characters.

Venice International Film Festival 2024

The 2024 Venice International Film Festival wrapped up its 81st edition last week, running from August 28 to September 7. The festival opened with Beetlejuice Beetlejuice, directed by none other than Tim Burton. The long-awaited sequel arrived 36 years after the original Beetlejuice (1988), and while the film generated excitement, the festival itself will likely be remembered for something else entirely—the scorching heat that made this edition one of the hottest in history. The first week was a sweaty affair, with journalists, festival-goers, and guests all sweltering in the relentless heat that beat down on the Lido.

Despite the oppressive weather, complaints about the generally lengthy run-times were minimal, as many attendees were eager to escape into the cool, air-conditioned cinemas. Just kidding! Some directors’ attempts to stretch their films in the name of artistic vision didn’t always land well with audiences. That said, one notable exception was The Brutalist by Brady Corbet, which wowed many viewers despite its 3.5-hour runtime. Its Silver Lion win came as no surprise to those who appreciated its bold narrative and stunning cinematography.

LA REVOLUCIÓN DEL ESTILO: CÓMO EL DIABLO VISTE DE PRADA REDEFINIÓ LA MODA Y EL GLAMOUR EN LOS 2000

Cuando piensas en El Diablo Viste de Prada, no es solo el azul cerúleo lo que viene a la mente, sino cómo el mundo de la moda se nos presentó como el verdadero espectáculo que es. Alta costura, glamour, drama y, por supuesto, una dosis de realidad tan afilada como un stiletto de Jimmy Choo. Si creías que la moda era solo para la élite del Upper East de Nueva York, prepárate para el golpe de realidad que esta película arrojó a las calles, las oficinas y, admitámoslo, a nuestras vidas.

Antes de que Miranda Priestly hiciera su entrada con ese andar que haría temblar a cualquiera, el concepto de «power dressing» estaba salvaguardado para quienes podían permitirse un sastre a medida. Pero El Diablo Viste de Prada democratizó ese pensamiento con un giro vigoroso y sin comezón. De repente, vestirse para el éxito significaba algo más que un buen traje; era un arte. Y, sinceramente, ¿quién no ha soñado con andar por la oficina con la confianza de una redactora jefe, lista para conquistar el mundo (o al menos, la reunión de las 9 a.m.)?
No era solo sobre qué llevar, sino cómo se lleva. El mensaje era claro: con el look adecuado, puedes liderar cualquier sala. Incluso si esa sala es el Starbucks de la esquina, donde esperas que tu latte te dé el poder para enfrentar el día, aunque no venga acompañado de un abrigo de piel arrojado con desprecio…

ALMA DE PIANO

Un piano blanco aguarda expectante
Como yo
Como todos
Luz tenue
Ella también aguarda expectante
sintiéndose privilegiada de iluminar este espacio
este momento
este artista
Él también aguarda expectante
Aún en la sombra…

Sonido del mar Mediterráneo que inunda la sala
anticipando y conectándonos así con el sentido protagonista de la velada
Mar que acaba inundándola
Su fuerza transportándonos a otro lugar
y al mismo tiempo generando el presente más absoluto
Presente emocional
Un aquí y ahora conectado
Más real que ninguno
Casi enraizado

Y entre olas se deja ver el artista
Y al instante se mimetiza camaleónico con su entorno
Piano como extensión del cuerpo
Como extensión del alma

Cuadro impresionista
pintando con el sonido para envidia de la luz
Pincelada sonora
en movimiento y suspendida

Y al posar sus yemas sobre las blancas teclas
ese “casi enraizado” pierde su casi
y yo la vista
y las primeras notas,
osadas,
nos conectan con nuestra raíz interna
Esa tan personal e intransferible
Esa que nos construye
nos esculpe
anclada a la madre tierra

Y la palabra instrumento cobra sentido ante mis ojos

Tu música como puente
Viaje emocional
Viaje sensorial

Tu música como vehículo hacia ese interior propio
Ese interior puro
Ese interior conectado
Orgulloso de serlo
Orgulloso de estarlo
Con sus batallas e ilusiones
Todos forjando al alma sensible que decide escuchar
Que decide observar

Abro los ojos
Un suelo de telas blancas como espuma de mar llegando a la orilla envuelven el cuerpo del artista
Rompiendo con la misma fuerza que las notas de Victor sobre nuestros frágiles cuerpos
Espectadores privilegiados,
acariciados por esa música bañada en agua de mar cristalina
invadiendo el alma irremediable como el mismísimo océano
Agua y fuego
Fuego y agua

Las llamas ondeando en la vibración de las notas
Bailando ligeramente
Inspiradas por el genio
Contagiadas por la musicalidad abrumadora

Y por un instante todo se transforma en hogar
y tú te paseas por las teclas de manera insultantemente natural
acariciando las notas casi con ternura
Y la observamos cual escena cotidiana
Y al mismo tiempo nada más lejos de lo cotidiano
Infinitamente lejos
Infinitamente cerca
Y paseamos contigo
de la mano de tu ritmo

Y me descubro asistiendo
al esculpir de un alma blanca
Un alma joven
Un alma ambiciosa
Un alma sensible
Alma de piano

PAOLO ROVERSI

En el Palais Galliera, del musée de la Mode de Paris, y hasta el 14 de Julio de este 2024 se está celebrando la exposición monográfica dedicada al fotógrafo Paolo Roversi.
Esta exposición, de la que es director artístico el mismo fotógrafo, siendo curadora Sylvie Lécallier, reúne 140 obras entre imágenes inéditas, impresiones Polaroid, archivos (revistas, catálogos, etc.), y revela el recorrido profesional y artístico de un fotógrafo único.

Paolo Roversi nace en Ravenna, Italia en 1947, y aunque inicia sus estudios en la rama del derecho, poco a poco se va decantando por el mundo de la fotografía que, desde 1972, se convierte en su única actividad artística y profesional. En 1973 se traslada a París donde abre su estudio, siendo que, desde casi el principio empieza a relacionarse con el mundo de la moda, trabajando para importantes cabeceras como la italiana y francesa Vogue, destacando sus magníficos trabajos para el Journal Egoïste.

RICK OWENS. HOLLYWOOD

En el patio exterior del palacio de Tokio al ritmo de la Sinfonía nº 7 en A mayor de Beethoven, se abrió el grandioso desfile de Rick Owens para la SS 2025 Mens que el diseñador denominó “Hollywood”, y que nos transportó a aquellas películas épicas con miles de extras en carne y hueso y que en este desfile eran representados por cientos de “modelos”, en concreto 200, compuestos por estudiantes y profesores de todas las escuelas de moda de París.

Una visión y presentación muy contemporánea y muy Owens con representación de la época clásica del cine épico hollywoodiense, con una grandiosa puesta en escena de sus diseños en la que se buscaba, según las palabras del diseñador, “presentar la expresión de marcadas individualidades a través de la unidad”, de modo que un grupo heterogéneo de modelos se une de modo homogéneo por un mismo look. Expresión única de modo totalmente uniforme.

Cambiando la paleta de color habitual del negro al blanco, desfilaron vaporosas capas de gasa, capuchas, plataformas, hombros poderosos, transparencias y andar triunfante, que nos recordaba a las películas épicas hollywoodienses, pero también a monjes marcados por la inmortalidad en un desfile de guerreros por la paz, que en este show se convirtió en un maravilloso espectáculo casi monocromático y que será sin duda uno de los inolvidables de la carrera de Rick Owens.

Nos lo imaginamos siendo un gran diseñador de vestuario para cine, quizás para vestir a Zendaya en la nueva versión de Cleopatra. ¡Que así sea!

EL ADIÓS DE VIRGINIE VIARD EN CHANEL: ¿UN CAMBIO DE GUARDIA EN LA MODA?

Hace apenas una semana, en una noche que prometía ser tranquila, Chanel soltó una bomba que sacudió las fibras más íntimas de nuestra industria: Virginie Viard se despide de Chanel. Treinta años en la Maison y los últimos cinco como directora creativa tras el adiós de Karl Lagerfeld en 2019, y ahora, de repente, se va. ¿Por qué ahora? ¿Qué nos espera en el horizonte de esta legendaria casa de moda?

Para entender este abrupto cambio de timón, es necesario retroceder y sumergirse en el último capítulo de la era Lagerfeld. Karl Lagerfeld, una figura icónica en la moda, dejó un legado imponente en la casa del tweed. Durante su reinado, Lagerfeld convirtió a Chanel en sinónimo de elegancia atemporal y vanguardia, donde sus colecciones siempre estaban impregnadas de su genio creativo, fusionando el legado de Coco con su propia visión audaz y contemporánea. Y luego, en ese escenario de transición, entró Virginie Viard, la mujer detrás de las colecciones que nos han mantenido en vilo desde que Karl Lagerfeld nos dejó. Viard, la guardiana de la esencia de Chanel, ha sido una figura con opiniones divididas; algunos la adoran por su fidelidad a los códigos de la casa, mientras que otros la critican por no atreverse a romper el molde y llevarnos a un nuevo nivel de creatividad y audacia. Pero, ¿acaso era esa su misión?

SYBILLA: LA RESURRECCIÓN DE UNA GENIO

En el frenético orbe de la moda contemporánea, donde las tendencias van y vienen a la velocidad de un parpadeo, pocas figuras han dejado una marca tan indeleble y, al mismo tiempo, han mantenido un aura de misterio como Sybilla. Esta diseñadora española, célebre por sus creaciones de una sofisticación y técnica sin par, merece ser redescubierta y celebrada. En este texto, rendimos homenaje a su singular trayectoria, exploramos su obra más icónica y hablamos de su desilusión con la industria de la moda.

En 1963, Martin Luther King proclamó su famosa frase “I have a dream’’ y en mi imaginario resuena la idea que, quizás, solo quizás, en ese sueño se vislumbró el nombre de una joven que cambiaría la industria de la moda para siempre;
Sybilla Sorondo.

Nacida en New York en 1963, fruto de la unión de madre polaca y padre argentino, mostró un talento precoz para la moda. Al cumplir siete años se trasladó a Madrid, y aunque nunca estudió moda, su pasión por el diseño la llevó a París con tan solo 17 años, donde tuvo el privilegio de trabajar como aprendiz en el taller de alta costura de Yves Saint Laurent. Este periodo fue crucial, brindándole una formación rigurosa en las técnicas de la alta costura parisina, pero ella resalta con cariño que sus verdaderas maestras, fueron las modistas que estaban con ella en su primer taller en Madrid, que abrió con 19 años.

LET GIRLS BE WICKED: KATINKA HUANG’S EMOTIONAL PLAYGROUND FOR ALL THINGS FEMININE

What do girls do when left alone? Looking into the paintings of the past centuries for answers, it seems like not much. We read, we painted landscapes, we gazed into oblivion in a hopeless – albeit still seductive – manner, we picked ‘he loves me, he loves me not’ petals from flowers… It’s not up until recently that women have defied these male-gaze-infused stereotypes in the art world. Katinka Huang’s work, in particular, brilliantly humanises women in the most absurdist of ways.

The Shanghai-born, New York-based artist traces her interest in the portrayals of femininity back to her Shanghai years. While only a child, little did this young observer know she was witnessing what would become the theme of her greatest works. “Ideologies of femininity in the East and the West are so different. What Chinese people consider feminine and beautiful and ladylike is very different to what the West considers beautiful and feminine – less so on beauty and more on femininity.” Huang tells FANTÚ MAGAZINE. Leaving Shanghai at age eleven for London, she recalls the mental impact this shift had on her, as she explains to me “At an age where you’re so easily malleable, I was sort of confused about how I should act, I want to be accepted into this new culture that is so different to what I was used to and what I was taught”.

FRANÇOIS HALARD. HACIENDO ARTE

Amar el arte y a quienes lo crean. Fusionarse con los espacios y captar los fantasmas de sus habitantes, sus espíritus creativos. Capturar naturalezas muertas, paredes que se miran con otros ojos, piezas de arte, mobiliario, esculturas y pinturas, dejando espacio a nuestra imaginación. François Halard no solo es un fantástico fotógrafo de interiores, sino que crea un arte nuevo usando el recurso fotográfico como herramienta. Sus fotografías son la historia de muchos otros artistas, de sus sueños y sus espacios; pero a la vez son la historia personal de Halard, porque al mismo tiempo sus creaciones hablan de él.

Ha capturado muchos de los espacios más preciados del mundo, captando el alma de cada uno de esos lugares, con una visión única y muy personal. Sus fotografías son atemporales y piezas de arte en sí mismas, nos enseñan a mirar e invitan al espectador a buscar, a ir más allá, a hacerse preguntas y saber más.

CANNON BEACH: ENTRE EL SUEÑO Y LA REALIDAD DE AVEC AMOUR

Si hay algo que la moda nos regala constantemente, es la oportunidad de sumergirnos en experiencias que van más allá de lo tangible. Eso es precisamente lo que se vivió en el desfile de la colección primavera-verano 2024 de la firma AVEC AMOUR. Fue como sumergirse en un sueño irreal, una ilusión que persiste en la mente incluso después de haber terminado.

CANNON BEACH el nombre de su nueva colección, se presenta como un espejismo, donde la invitación a este desfile sólo se puede leer cuando se confronta con un espejo. Todas las prendas, también reflejadas en las columnas del recinto Sant Pau, simbolizan la fusión de lo clásico y lo contemporáneo, lo viejo con lo nuevo. Incluyendo tejidos encontrados en anticuarios y añadiendo piezas de cerámica hechas a mano, que aporta ese punto craft que tanto se destaca en la artesanía española.

SIMON de Diego Vicentini

La cruda realidad se impone ante nuestras expectativas, sueños y ambiciones y dan sentido a la titánica tarea de hacer llevar a cabo cualquier cambio en el status quo. En «Simón» (2023), obra de Diego Vicentini, se ahonda en los sentimientos enterrados que millones de inmigrantes ocultan para escapar del dolor y la culpa al abandonar a las personas y lugares más importantes en sus vidas.

Obra que funciona como un bálsamo para muchos venezolanos, tanto para los que se quedaron, como para los que se fueron y no habían encontrado una ficción en la que verse reflejados. Queriendo compartirla con todas esas personas alrededor del mundo que hoy tienen un amigo, pareja, familiar o enemigo venezolano con la esperanza de que les ayude a conectar y entender el viacrucis de nuestra migración y situación.

LONDON FASHION WEEK REVIEW. FW 24

Repasamos lo mejor del London Fashion Week la pasada semana en los desfiles de Otoño Invierno 2024según nuestra editora de moda. Hemos escogido como resumen a los diseñadores Daniel Lee para Burberry,Dilara Findikoglu, Edward Crutchley, Paolo Carzana, y Jawara Alleyne.

BORA AKSU. LONDON FW-FW 24

El diseñador británico Bora Aksu recibió su primer reconocimiento cuando se graduó en la maestría de Central St Martin en 2002. Aclamado como «uno de los cinco mejores espectáculos» por The Daily Telegraph, The Guardian y The Independent.
En los desfiles Fall Winter de la London Fashion Week celebrada la semana pasada vimos una colección sumamente cinematográfica en una mezcla extraordinaria de lo clásico con lo contemporáneo. Fantástico!

LAS CHICAS ESTÁN BIEN de ITSASO ARANA

Pocas veces una película logra que te olvides de que estás viendo ficción, que no estas allí, y que cuando acaba desearías que continuara y que tú formases parte de esa historia. Es así como te hace sentir esta fantástica historia contada de manera tan real que engaña al espectador que quisiera ser protagonista.

Escrita y dirigida por Itsaso Arana, quien también produce e interpreta ésta, su primera película, cuenta con un reparto de actrices cuya trabajo creativo en el film podría describirse como magistral. Bárbara Lennie, Irene Escolar, Itziar Manero, y Helena Ezquerro nos hacen sentir que son personajes reales que ensayan una obra de teatro, disfrutan de unos días de verano, se conocen entre ellas, interactúan, filosofan sobre la vida, la muerte y como no, sobre el proceso creativo, de la interpretación, porque allí están ellas, ensayando una obra de teatro y viviendo los días destinados a ello como un grupo de amigas cuya complicidad crece y crece. Y así la película a través de las conversaciones de sus protagonistas te sumerge en sus sentimientos y sensaciones. El realismo llega de todas partes porque las protagonistas usan sus nombres reales para encarnar a sus personajes, y cuentan sus propias vivencias, lo que alimenta la veracidad de toda la historia.
Una opera prima que rebosa verdad, realismo. La vida dentro de la vida, y a la vez dentro de fotogramas que nos recuerdan a los lienzos de los grandes pintores del siglo XIX.
Me encanta este cine!!!

WHERE THE CRAWDADS SING by DELIA OWENS

A fine line is drawn in this wonderful story between despair, loneliness, devastation, longing but also wonder, beauty, simplicity, intellect and hope. Demonstrated by ubiquitous and intense themes of abandonment, the most prevalent being that of the departure of our protagonist’s (Kya) mother and its crippling effect. This leads Kya down a path of trying to comprehend her acts, to conduct a near constant comparison between human actions and sentiment, and those displayed in nature. On the flip side, sheer fascination – or blind devotion as the story progresses- for the marvels surrounding Kya and the acceptance of a self-made family balances out what otherwise would be a gut-wrenching tale.

We can see how small town prejudice hinders intellectual brilliance of those who don’t conform to society’s concept of what is “normal”, one that is powered by love of nature, not by status, money or looks. Fortunately for Kya, her geniusness is brought to life by the most valuable gift: the written word. This is what enables her to excel; no more illiterate marsh girl but a bright, young, poetic naturalist.

FRANCA SOZZANI SIEMPRE

Un día como hoy, 20 de enero, nacía en Mantua, Lombardía, la que se convertiría en uno de los referentes más importantes de la moda internacional. Franca Sozzani. Poco se puede decir que no se haya dicho ya de ella. Que fue la directora de Vogue Italia desde 1988, hasta su fallecimiento en 2016, que convirtió a la revista en la más talentosa, sofisticada y arriesgada, mezclando moda con política y acontecimientos sociales, arriesgando y mezclándolo con belleza y moda, sacudiendo los cimientos de la industria y entendiendo el periodismo de moda de una manera provocadora; que elevó a las modelos al rango de supermodels y a través de ellas, compuso editoriales de moda polémicas como la conocida dedicada a la cirugía estética, o a la violencia de genero; que publicó el inolvidable black issue en 2008 exclusivamente con modelos de color, y que hoy se paga a precio de collector… Y todo ello usando la belleza y la moda como ingredientes esenciales e hilo conductor necesario y atrayente de un público no acostumbrado a captar ese tipo de noticias en ese tipo de publicaciones, consiguiendo que el concepto de editorial de moda cambiase de simple exhibición a interesante narrativa, aderezado, como no, con el trabajo de las mejores modelos y fotógrafos, especialmente Steven Meisel , con el que firmaba prácticamente todas sus portadas, pues una de sus obsesiones artísticas fue la fotografía, habiendo declarado en una ocasión que la única manera de hacerse entender era a través de las imágenes por lo que su trato y elección de los fotógrafos era para ella sumamente relevante.

Su hijo, Francesco Carrozinni, fue uno de los hombres esenciales de su vida y el director del fantástico documental “Franca: Chaos and Creation”, un retrato cercano e íntimo sobre la vida de su madre donde queda plasmado que Franca huía de los convencionalismos, y donde los diferentes personajes del mundo de la moda, la cultura y la fotografía hablan de Franca con admiración.

Desgraciadamente el mismo año en que se estrenaba el documental, Franca fallecía a los 66 años, demasiado pronto para un ser humano, demasiado pronto para una mujer, demasiado pronto para un genio de la creatividad, demasiado pronto para una sociedad que la seguía necesitando, demasiado pronto para un mundo de la moda que nunca la olvidará y mantendrá como referencia necesaria a pesar del paso del tiempo.

El documental es imprescindible y el libro editado con el mismo nombre por ASSOULINE merece la pena. Todas nuestras imágenes pertenecen al mismo que preside como una de nuestras joyas nuestro estudio de Fantú.

POOR THINGS by YORGOS LANTHIMOS

Yorgos Lanthimos’ latest cinematic venture is his most ambitious, explosive, and genre-bending work to date. An ultra-feminist tale of a young woman, Bella Baxter (played by an unhinged Emma Stone), who is the result of an experiment conducted by avant-garde surgeon, Dr. Godwin Baxter (Willem Dafoe). Bella liberates herself from man-made constraints – quite literally – and embarks on a sensual journey of self-discovery. After all, you have to go away to find yourself, isn’t that true? In Bella’s case, she needed to put a healthy distance between herself and God (that’s what she calls Dr. Baxter, you see, highly problematic).

Picture a grown woman experiencing life for the very first time – this is Bella, dashing through carnal desires, abandoning herself to a kaleidoscope of highly stimulating experiences: eating, drinking, masturbating, reading, dancing, oh, and a whole lot of sex. Bella swiftly evolves into an independent being guided by her rebellious spirit, insatiable curiosity, and a rampant sex drive. She is quick to dismiss societal norms in favor of the empirical path to self-realization. However, beyond the allure of hedonistic pleasures, it becomes evident that Bella is not solely destined for a life of debauchery. The narrative hints at a deeper exploration as Bella confronts the injustices of the world that lie undiscovered, adding layers of complexity to her character.

“TRENC D´ALBA» ¿Y SI SE TIENE QUE ROMPER ALGO PARA QUE SALGA EL SOL?”

Febrero de 2022: tras un duro parto, finaliza el rodaje del cortometraje “Trenc d’Alba”.

Diciembre 2023: Alexandra, directora y en este caso ayudante de dirección de la pieza, se sienta junto a Anna Llargués, directora del proyecto, para divagar sobre el mismo. Alex se embarca en el visionado como una forma de reencuentro con aquel intenso febrero. Una vuelta al pasado que se hace presente tras numerosas nominaciones entre las cuales al prestigioso festival de Cannes y la preselección a los premios Goya 2024. Alex está nerviosa. Estoy nerviosa…

Alex: …se me hace raro estar en esta posición entrevistándote. Amigas, directoras, compañeras de trabajo…

Anna: Además hemos hablado de este corto más de 200 millones de veces.

Alex: Si, aunque es la primera vez después de ver el corto acabado. Y quiero poner sobre la mesa la razón por la que cambiaste el título. Antes se llamaba “La linde”, de hecho, para mí, siempre será “La Linde”. ¿Por qué Trenc d’Alba?

“MI VIDA AL PRINCIPIO” de Ana Puentes

Hay cortometrajes que cuando finalizan nos dejan la sensación de una larga historia, algo mucho más extenso e intenso de lo que cabe esperar de tan solo 15 minutos de metraje. Eso me ha ocurrido con Mi vida al principio, de la cineasta Ana Puentes Margarito, proyecto candidato al Goya al Mejor cortometraje de ficción, que hasta ahora ha estado nominado en una veintena de festivales nacionales, y quince internacionales. Una espléndida y emotiva historia contada con sensibilidad y elegancia, protagonizada por Daniel Grao y Cosette Silguero.

LA SOCIEDAD DE LA NIEVE. CUADROS DE LIBERTAD DESMEDIDA

EXT. MONTAÑAS DE LOS ANDES – DÍA

Dentro de todas las capas de significado que el director genera dentro de su película, decido alejarme para observar, de lejos y con distancia (porque así fue concebido), el plano general.

Plano general.
No.
Gran plano general.
No.
Generalísimo.
Sí.
La hipérbole es necesaria y coherente.
Imprescindible para entender la sensación escondida tras una decisión de posición de cámara; a su vez escondida tras un director.

LA GRAN ISABEL MUÑOZ

Hoy hacemos un recorrido por la fotografía de Isabel Muñoz, y observando sus instantáneas, no importa el momento en el que fueron tomadas ni la serie a la que pertenezcan, y deteniéndonos en cualquiera de ellas, percibimos una historia recogida en un instante en la que, además, resalta tanto una especial belleza como una forma de contar. La sensación del espectador es que detrás de cada foto hay algo que no se cuenta, pero que te abre las puertas a querer saber más, y nos preguntamos cómo percibe Isabel Muñoz su propia obra, a ella misma y a nuestro mundo actual.

“Siempre hay algo más detrás de mis imágenes. Me gusta que el espectador se haga preguntas, porque detrás siempre hay una historia, aunque el espectador no la conozca”
Isabel Muñoz

SHOES!!! Ready-to-Wear. Spring Summer 2024

Shoes!!!
Shoes!!!
Shoes!!!
Ready-to-Wear. Spring Summer 2024

YOHJI YAMAMOTO. Ready-to-Wear. Spring Summer 2024 Fashion Show

Con sus casi 80 años, el diseñador sigue siendo lo más vanguardista de la pasarela. Esta vez manifestó querer experimentar y remezclar sus propios códigos. Volvió a cantar durante el desfile convirtiéndose en la banda sonora del mismo, esta vez con “Come together” de los Beatles y a su ritmo un desfile en color negro. Conoce a la perfeccion el cuerpo humano y sobre el mismo crea líneas elegantes que combinan lo sobrio con lo sofisticado, lo perfectamente elaborado con lo deconstruido. Que no pare la música!

Miu Miu Ready-to-Wear. Spring Summer 2024 Fashion Show

Para Miuccia Prada la belleza está en nuestra historia compartida, en nuestras experiencias de vida, “Abrazar personajes únicos, la alegría de vivir”. Individualismo, porque las diferencias nos hacen únicos. Las huellas de la vida, marcan nuestra ropa. Nueva noción del uso previo, en la presentación de combinaciones imposibles y poco convencionales con un resultado único. Maravillosas gafas combinando con la colección.
Todo ello acompañado de una instalación de video de la artista Sophia Al-Maria.

RICK OWENS. Ready-to-Wear. Spring Summer 2024 Fashion Show

Elegancia y mujeres de otro mundo en el desfile de Rick Owens que utilizó aparte del negro, colores como el rojo para presentarnos su colección muy del estilo del diseñador dando un aire de otro mundo a la contemporaneidad. Un escenario lleno de viento y humo para atrapar hacía ondear los diseños. Grandes cuellos, hombreras, cuero y gasa que ondeaba en medio de una niebla rosa fucsia.

MAISON MARGIELA. Ready-to-Wear. Spring Summer 2024 Fashion Show

Gran trabajo de John Galiano de nuevo convirtiendo la pasarela en un teatro interpretativo de modelos que miraban con descaro y caminaban lentamente con trajes de época deconstruidos y trasladados al S-XXI, que dejan ver corsetería, lazos y volantes, combinado con trajes sastre y abrigos combinados con cuellos de camisa que navegaban solos.

BALENCIAGA. Ready-to-Wear. Spring Summer 2024 Fashion Show

En realidad no fue un desfile al uso, pero presentaron la colección de Demna para Balenciaga, a quien no le gusta el lujo y se centra más en las personas, un elenco de interesantes personajes , una gran variedad de creadores de tendencias en los diferentes campos de la cultura, artistas, personajes del mundo de la moda y otros personajes influyentes. Según el diseñador” eran las personas que más han significado para mí en mi vida personal y profesional”

PIERRE BERGÉ SIEMPRE

Un día como hoy, 8 de Septiembre de 2017 Pierre Bergé el compañero sentimental socio y amigo del diseñador Ives Saint Laurent falleció en Saint Remy de Provence a la edad de 86 años, y con un libro suyo en las manos no puedo dejar de recordarlo.

Siempre me ha interesado la figura de Pierre Bergé, alguien que de algún modo y aparentemente, se mantuvo en la sombra de su compañero de vida Yves Saint Laurent pero que en realidad fue el apoyo y motor creativo de la pareja.

Interesado desde muy joven en el arte y la literatura fue amigo de escritores como Jean Cocteau cuya amistad se prolongó hasta la muerte de ambos. En 1958 conoce a Saint Laurent y dos años después, fundaron la conocida casa de alta costura, y desde ahí se inició una aventura creativa que parecía no tener límites.

Hoy releo mi pequeño libro, “Cartas a Yves” que recoge las cartas, que durante el año siguiente al fallecimiento de Yves Saint Laurent, Pierre Bergé le escribió, que, como se dice en el libro son un “canto de amor y muerte”, el diario de ausencia que Bergé le dedica, una especial y particular manera de decir adiós que empieza así: “Qué mañana tan joven y hermosa hacía el día que nos conocimos! Librabas tu primera batalla. Aquel día conociste la gloria y, a partir de entonces ya no os volvisteis a separar. ¿Cómo iba yo a imaginar que cincuenta años más tarde estaríamos aquí, cara a cara, y que yo me dirigiría a ti para un último adiós? es la última vez que te hablo, la última vez que puedo hacerlo. Muy pronto, tus cenizas llegarán a la sepultura que te espera en los jardines de Marrakech”

YOHJI YAMAMOTO. POETICA Y SENSIBILIDAD

Y con esta necesidad de inmersión en la sensibilidad japonesa, me adentro en el recuerdo muy cercano del último desfile del diseñador japonés Yohji Yamamoto quien a través de la creación de sus diseños nos traslada a un lugar más allá de la moda. Una forma especial de mostrarnos su mundo y al mundo vistiendo sus diseños. ¿Cómo llegar a Yohji Yamamoto a ello?, ¿qué pasa por su mente?, ¿qué se cuece en los talleres del septuagenario diseñador japonés?
A muy poco tiempo ya de la próxima semana de la moda de París y de las nuevas propuestas del diseñador, hoy recuerdo su sensibilidad como la de Ozu o la del director Genki Kawamura. Deconstrucción sensible. Belleza imperfecta, y poética al mismo tiempo. Como dije en mi anterior artículo, sensibilidad japonesa que hace que Yohji Yamamoto ostente una capacidad especial para hacernos vivir, a través de sus diseños, una experiencia sensorial única.

“100 FLORES”. GENKI KAWAMURA

Ayer casi por casualidad llegó a mi “100 Flores” el precioso largometraje de Genki Kawamura premiado a la mejor dirección en la 70º Edición del Festival de Cine de San Sebastián el pasado año. Parece clara la influencia en Kawamura del desaparecido director Yasujiro Ozu (1903-1963) , cuyo trabajo estará también este año en la 71º Edición del Festival de San Sebastián en la sección Klasikoak con la película “Historia de un vecindario”.
En la película de Genki Kawamura hacemos un viaje interior junto a sus protagonistas. Sensibilidad japonesa y una visión sensorial, única, que nos cuenta una historia como solo un nipón sabría hacerlo, de un modo suave pero incisivo.
En “100 Flores” nos sumergimos en la relación de Izumi, con su madre Yuriko, quien habiendo sido diagnosticada de alzhéimer nos muestra tanto el avance injusto de la dolorosa enfermedad mental que afecta tanto a quien la padece como a sus familiares y amigos, como el dolor de Izumi ante la falta de respuesta de su madre a preguntas sobre hechos que causaron dolor en su infancia como su abandono. Ambos buscan respuestas en los recuerdos que poco a poco se van diluyendo inexorablemente. La casa materna juega un papel fundamental, pues se va transformando junto a Yuriko, convirtiéndose tanto en espectadora, como en una víctima más.
Merece la pena esta experiencia cinematográfica

THE CRESCENT MOON OF MARINE SERRE

In just a few years, Marine Serre has succeeded with her independent firm and by working hard, has shown that things can be done differently. With respect for the environment, against the Asian exploitation of the textile world.

When this master of recycling began, she ran into doubts from the fashion world regarding her idea of creating new pieces with old or already used fabrics and clothes. Today, what seemed so new and alien to the world of fashion itself has become something that is promoted and applauded. Almost eighty percent of what it produces comes from old fabrics that in the hands of the brand, acquire new life.

Her emblem, the beautiful crescent moon, is synonymous, for her, with the transformation and the change that could well be imitated by other designers. So we get to their brand and the energy of what goes on behind the scenes where they have allowed us to look. And all this through the crescent moon.

ESPACIOS TEMPORALES

Me hablaba un amigo que vive desde hace años en Vietnam de la vida en los hoteles, nuestro paso por esos lugares que se convierten en pequeños hogares temporales. Decir hogar ¿Es demasiado? ¿Es un calificativo excesivo? A veces no, porque conseguimos fundirnos con esas habitaciones que nos regalan una estética, comodidad o servicio que se acopla a nosotros, que nos hace sentirnos bien, acogidos, como en casa; sin embargo otras veces su frialdad y fealdad como espacios insensibles y pensados solo para dar lo mínimo al acoger temporalmente, nos apuñala el corazón y solo deseamos no volver. Así que los olvidamos simplemente. Yo ya no visito esos sitios.
Otras veces esos espacios quedan en nuestros recuerdos, en nuestro corazón. Y aunque son lugares de paso, donde la llegada está muy cerca del día del adiós son parte de un pequeño cuento dentro de nuestra gran historia.
Yo busco la belleza en esos pequeños hogares temporales de mis viajes y pretendo que sean lugares de inspiración, que formen parte de la belleza del propio viaje, e incluso a veces, que sean una parte importante del viaje en sí. ¿Habéis buscado alguna vez un maravilloso hotel como destino principal que después como sorpresa nos hará descubrir el lugar en el que está enclavado y sus alrededores? Pues es una interesante experiencia, porque un maravilloso hotel siempre está situado o cercano a un maravilloso lugar. Descubrir espacios es una aventura fascinante que nos adentra, no solo en el propio espacio, sino en los objetos que lo pueblan. Libros, arte, tejidos, muebles…un viaje a la belleza.

EL COLOR ROSA Y BARBIE

Sinceras felicitaciones a los encargados de marketing de esta producción de la Warner que han conseguido llenar las salas de cine, vestir felizmente de rosa a los espectadores y a personajes famosos en las diferentes premieres de todas las partes del mundo, atraer la atención de quienes ni hubiesen pensado en acudir a ver una película de ese tipo, y potenciar el fenómeno Barbiecore. Y todo ello con motivo del estreno de la película Barbie.

Parece que el éxito gira claramente alrededor del poder del color rosa, que ostenta la capacidad de transmutar de kitsch a elegante, de opresivo a liberador, de símbolo trasnochado femenino a señal de empoderamiento feminista, en función de cómo se utilice. Se usó de manera emocional con una dimensión metafórica inteligente – como ejemplo cercano – en la colección de Valentino Pink PP FW 22-23 en el que su director creativo Pierpaolo Piccioli supo reinterpretar el color fucsia de manera sofisticada e innovadora creando una memorable e impactante colección. Véase el video de la campaña protagonizado por Zendaya para apreciar todo ello. En Barbie el poder del rosa ha hecho su efecto, pero de manera muy diferente.

JUAN VIDAL

Un diseñador español quien desde sus inicios acumula premios y reconocimientos.
Explorar los momentos de creación.
Nos adentramos en sus talleres…
Tijeras, cintas métricas, patrones…
La inspiración,
el trabajo,
bocetar,
dibujar,
escuchar música,
tocar telas,
soñar…

Entramos en el estudio de Juan Vidal.
Trabajo en equipo.
Visiones en blanco y negro donde se crea color.
Tranquilidad para ir hacia la seducción.
Formación artística, conceptualización y volúmenes.
Referentes clásicos para una creación contemporánea.
Un hombre creando para la mujer.

Es Juan Vidal

THE JOURNEY: INSPIRATION, WORKSHOPS AND BACKSTAGE

On most occasions, what we receive from fashion, contemporary art, cinema, or photography is the final result of laborious work that begins with inspiration, from which the artist begins, a splendid trip to a place that is always unknown, because on trips, even if everything has been planned in advance, every day there are surprises and changes.
That journey is often the most interesting part of the creation, a journey in which not only the artist participates – whether it is a fashion designer, a painter or a filmmaker – but other essential people in the creative process, who contribute in a very important and necessary way, turning on the stoves of the kitchens of creativity, not only a work that contributes to the director’s ideas, but that also contributes their own and turns the process into a magical cocktail, full of synergies, aiming at a final result that is always exciting and logically uncertain.

ELLEN VON UNBERTH. “THIS SIDE OF PARADISE”

Full of energy, bright, sensual, lustful, fun and crazy. Eroticism as a form of power. Empowered women controlling the situation and more than anything, their sexuality. Nothing banal, nothing simple. And always fun. This is the photography of Ellen Von Unberth in which its protagonists are usually the most sought-after models and actresses who play the role of strong, happy women, and owners of situations.
Having had the opportunity, at the beginning of her career, to be in front of the camera as a model for great photographers such as Helmut Newton, has not only given Ellen VonUnberth the opportunity to learn from them, but has given her the possibility, when she was the one behind the camera photographing or directing, of exercising a special complicity with her models, which is perceived in their attitudes, and in the energy and security they transmit. Her beginnings were already pointing to a very powerful style when, at the end of the eighties, she photographed Claudia Schiffer for the Guess campaign, when both photographer and model were still unknown. And that was just the beginning. She has been dedicated to her work for more than three decades.

ROCÍO BUENO

Rocío Bueno, es fotógrafa y creadora visual, quien a través de sus obras comparte su particular y personal mirada; un mundo interior al cual pudimos acceder en su exposición del Festival Ojos Rojos, donde presentaba su último trabajo fotográfico: Hilo. Allí sus obras nos cautivaron y nos interpelaron de tal manera que sentimos la necesidad de indagar en su universo y su forma de capturarlo con la cámara . Y sus palabras: “Somos cuerpo y a través del cuerpo exploramos y descubrimos el mundo. Ser consciente del cuerpo y conectar con él es muy importante para mí. El cuerpo de la mujer ha estado manipulado, mercantilizado, estigmatizado y vilipendiado mucho tiempo. Siempre ha estado expuesto a ser mirado y juzgado, tenemos mucha presión social sobre el mismo y está muy ligado a nuestra autoestima y valoración personal. Siento que tenemos que reconciliarnos con él, naturalizarlo y hablar de él desde otro lugar. Retrato mujeres, porque hablo de mujeres y de nuestros cuerpos”.

KARL LAGERFELD

Y me pregunto si le hubiese gustado la “pasarela” que tuvo lugar en el Met Gala. Y creo que no. La hubiese considerado en algunos momentos vulgar y hasta pornográfica, en el sentido que él sabía darle a esa palabra. Pero su energía se impuso sobre la mezcla que se dio de elegancia y ordinariez desbocada. Todo en su honor.

Diseñador, dibujante, fotógrafo, gran lector, contemporáneo siempre, voyeur, admirador de la delgadez, la soledad, la música, la elegancia, el atrevimiento, las mujeres, lo femenino y el saber vivir. Eso sí, a su manera.
Diseñó su propio personaje, que interpretaba día y noche tanto frente al público como frente a su propio espejo. Libre y al mismo tiempo sometido estrictamente a sus propias reglas, su disciplina, su hermetismo respecto a si mismo y su vida privada, “No soporto a la gente que lo cuenta todo “. Oculto tras sus gafas negras que nunca dejaron percibir a la gente de la que se rodeaba, al público, su estado de ánimo, lo que le permitía llevar a cabo una de las cosas que más le gustaban: mirar, aprender, percibir, captar, absorber. “Me gusta observar sin que se vea que lo hago “

JOCELYN POOK

En el panorama de la música contemporánea, aun nos vienen a la cabeza solo nombres masculinos cuando a composición se refiere. Sin embargo, son muchas las grandes que ocupan un lugar destacado en el panorama musical moderno. Como en otras disciplinas la composición musical en manos de algunas mujeres parece ser ignorada por muchos. Parece una repetición, un sonido continuamente escuchado, pero no podemos ni debemos olvidarlo
Nos asomamos así, tímidamente, al mundo que la música de Pook crea, nos acercamos un poquito a una mujer especial.

Leí no hace mucho tiempo que la música es la perfecta combinación de sonido y silencio, pero en realidad la música va mucho más allá de eso, y si la música sale de una composición de Jocelyne Pook, se hace la magia. Ella merece una mención especial en dicho concepto porque hace más que música. Julio Medem habla de sacudida emocional cuando la descubrió, que su música parece surgir de las mujeres que hablan desde el fondo del tiempo, una forma de energía femenina, muy ancestral.

CINE JAYAN

Me gusta el cine.
Mucho.
Cada día más.
Vivo en Jávea.
Tengo mucha suerte. Es un lugar maravilloso para vivir.
Y para ver cine.
¿Cómo?
Sí, para ver cine. Estoy hablando del cine Jayan.

Hace ya mucho tiempo que los cines situados en los barrios de las grandes ciudades o en los pueblos grandes y pequeños tuvieron que cerrar sus puertas por lo imposible de competir con esas grandes salas de centros comerciales que podían proyectar a la misma hora diferentes películas y que crearon lugares, fríos e impersonales, de esos que no dicen nada, y con un importante hándicap para los amantes del séptimo arte: la selección de proyección se suele basar exclusivamente en una apuesta de taquilla. Claro que hay cine que arrasa la taquilla y rebosa calidad. Pero hay mucho más. El resto, del buen cine independiente, europeo, español, el que es cultura cinematográfica y que se debería acercar también a la gente queda, en estos lugares, totalmente olvidado. Como si no existiese. Pero eso no ocurre en el cine Jayan, que hace una clara apuesta por el cine de autor y de vanguardia.

«BASQUIAT x WARHOL. PAINTING FOR HANDS»

Explosion of color and energy.

In 1985, Basquiat said that he had created “a million paintings” in collaboration with Andy Warhol. He was referring to one of the most important artistic collaborations in art history, carried out by two of the twentieth century’s most important and influential artists.

The Foundation Louis Vuitton invite us into an art conversation.
In 2018, the Fondation Louis Vuitton featured the Basquiat x Warhol, Painting Four Hands exhibition. In 2023, from April 5 to August 28, the Fondation continue its exploration of the work of Jean- Michel Basquiat, revealing, this time, his collaboration with Andy Warhol. “Basquiat x Warhol. Painting 4 Hands” will be the most important exhibition ever dedicated to this extraordinary body of work.

MAISON MARGIELA

Yesterday I looked through my featured files and returned again and again to John Galiano (how could I not?) and therefore to Margiela.
And it was at the new Maison Margiela headquarters where the Co-Ed 2023 collection was exhibited, the second part of the love story that began last season with Cinema Inferno.
Reinvention of the iconic shoes of the firm, caftan, fishnets, lots of tulle, semi-hidden faces without exception, rubbish bags for hats, chains and Mickey Mouse.

Spectacle and theatricality to present an interesting collection with Galiano in its soul. His imagination has no limits and the way to communicate it again captures me. Is punk honored? It’s reinvented with Galiano’s essence, so it becomes something different with a unique aesthetic, which knows how to drink from different worlds, to create its own and recognizable one.

INMERSIÓN

Hoy nos sumergimos en el agua con una fotógrafa, Isabel Muñoz y una diseñadora, Iris Van Herpen.
Fotografía y moda.
El mismo medio
Oí hace tiempo que el agua era el símbolo de las emociones.

Observamos diseños cuidadosamente elaborados, y sentimos el baile y la música. Mujeres que bajan a las profundidades en la fantástica puesta en escena del desfile de Iris Van Herpen en el Paris Haute Couture Fashion Week 2023 . Símbolos del silencio obligado de algunas mujeres en el mundo.

Y bajamos a las profundidades también con Isabel Muñoz, la aclamada fotógrafa española, Premio Nacional de Fotografía 2016, que a través de dos de sus proyectos “Agua” y “Japón” se pregunta sobre el agua en nuestro planeta, sumado a su temática recurrente, el cuerpo humano y su particular forma de verlo y mostrarlo. Cuerpos que hablan.
Hemos conocido a Isabel Muñoz, durante el desarrollo del Festival Ojos Rojos, en su quinta edición, y que se celebra cada año entra las localidades de Jávea Y Denia.

ART. JULIÁN ORTIZ

De pronto algo llama mi atención.
Algo me está hablando desde el silencio de la sala en la que me encuentro.
Avanzo solo por intuición, aunque conozco la sensación. No es la primera vez que una obra de arte me cautiva y me cuenta historias desde su posición aparentemente estática, seca, y silenciosa. ¿Cómo se pueden contar historias desde el silencio? Porque el lenguaje es otro.
Y aquí estoy yo frente a ese algo que es alguien. Un personaje. Una obra del artista Julián Ortiz.

Y ese encuentro con ese personaje que se inicia en esa sala llena de otras artes, me conduce al espacio de trabajo, al estudio del artista, poco tiempo después, para encontrarme, esta vez, con un personaje real, Julián, un creador, que me abre sus puertas y me deja mirar, tocar, y descubrir un mundo interesante y peculiar. Esculturas enormes, pequeñas, blancas, negras, de colores, acabadas y en proceso, esculpidas con diferentes materiales… semblantes, cuerpos…; y sus pinturas, también hablando y conviviendo en ese pequeño espacio. Un espacio de creación.

FILM. MATRIA

Matria es una pulsión.
Es energía.
Es Ramona.

Un retrato de una madre que no sabe serlo.
Una hija que no sabe serlo.
¿Qué es ser buena madre, y buena hija?

Alvaro Gago, director del film, nos adentra en esta reflexión maternofilial de personajes imperfectos, contradictorios, que conforman un retrato realista pero frenético al mismo tiempo. Un frenetismo de imperfección, errático, donde el autor decide darle voz a la mujer imperfecta, la madre que se equivoca, que mete la pata y la saca como puede. Ramona, interpretada por María Vázquez y construida de tal manera que el espectador duda de su propia empatía, tan necesaria en el cine en general, no tan necesaria en este en particular. Una interpretación que se alzó con la Biznaga de Plata en el muy reciente Festival de Málaga; película que fue la inauguradora del mismo y la cual vimos estrenada en la Berlinale.

FILM. TOTEM

Un viaje a la infancia. Una oda a la vida.
Tótem, el film de la directora Lila Avilés, estrenado en la Berlinale, nos transporta a la infancia.
Somos esa niña pequeña que escucha, observa y siente vivamente que los adultos le ocultan algo. Secretos solo de mayores. En Tótem, la lenta muerte del padre de Sol, la protagonista, interpretada por Naíma Sentíes. Una niña de siete años.

FILM. 20.000 ESPECIES DE ABEJAS

Durante el pasado festival de cine de la Berlinale, el equipo de Fantú, tuvimos la gran oportunidad de acudir al preestreno mundial de 20,000 Especies de Abejas; además de contar con la enorme suerte de poder conversar con la directora Estibaliz Urresola y la protagonista Sofía Otero, que compartieron su experiencia con nosotras. Un inmenso regalo.

Solo con el título del film ya nos sobrevuelan palabras como diversidad, diferencia, naturaleza… Y es que Estibaliz Urresola, pone en escena un precioso retrato sobre lo diversa que es la naturaleza humana y cuán diferentes somos los unos de los otros a pesar de formar parte de una misma comunidad, como abejas en la colmena.

PHOTO. J.M.FERRATER

Artista por encima de todo. Polifacético. Intenso y profundo. Fotógrafo, pintor, escultor, film director, poeta… su obra combina la fuerza, el erotismo, la transgresión, la frescura y lo oscuro en una mezcla separada en el tiempo que da como resultado un mundo particular con sello propio. Caos- dice el artista – que invita a investigar, a saber más, a pedir permiso para entrar en su Universo. Mi equipo y yo, cuando formábamos parte de la revista Tiger, tuvimos la oportunidad de conocerlo, de trabajar con él, de beber de su talento, y desde entonces no lo hemos perdido de vista. Siempre en nuestro horizonte José Manuel Ferrater.

Su admiración por la moda como forma de expresión, su relación con el cuerpo humano y la posibilidad de transgredir, innovar y jugar le convirtió ya desde los años 80 en uno de los fotógrafos españoles más reconocidos internacionalmente. La fotografía de moda y posteriormente la dirección de fashion films le permitió expresarse no solo como fotógrafo de moda sino como artista. Y no podemos olvidar que ha sido y es, un gran lector, devorador de libros; prosa y poesía trasladando su particular punto de vista a sus creaciones, para convertirse él mismo después en escritor y poeta.

FILM. BERLINALE.THE BEAST IN THE JUNGLE

Lichter, verschwommene Gesichter in der Dunkelheit, Schweiß. Ein Zufluchtsort, wo alle Sorgen draußen bleiben und wo man den Moment lebt, mit seinen Freunden lacht und nie wieder in die wirkliche Welt zurückkehren will. The Best in jungle zieht uns in eine ewige Feier hinein, wo ein Mädchen und ein Junge sich verlieben, jedoch entscheiden Freunde zu bleiben. (Zu unserer Frustration).

Er, hat ein Geheimnis, dass er mit ihr teilt. Er wartet. Wir wissen nicht genau auf was, wir warten mit ihm. Auf etwas Großes, etwas Besonderes. Ab der Hälfte des Filmes spürte ich eine Frustration in mir aufsteigen, die Feier schmeckte nicht mehr so gut wie am Anfang. War das beabsichtigt?

FASHION. SUNNEI FW23

Sunnei have thrown themselves backwards and we are with open arms, ready to not let them fall. Every time Loris Messina and Simone Rizzo open the doors of their home for us, we don’t know what to expect. This time the message was very clear:
1. Lascia le tue aspettative al di fuori di questo edificio. Abbandona qualsiasi preconcetto, scuotiti via le suppo- sizioni di dosso.


2. Adesso, dimenticati dell’idea di una perfezione perfettamente perfetta e dai il benvenuto alla realtà.


3. Ok, hai finalmente raggiunto uno stato mentale SUNNEI.

FILM-FASHION. LOEWE’S HOWL’S MOVING CASTLE

Howl no Ugoku Shiro

¿Cómo llega Loewe a hacer una colaboración con el estudio de animación japonés más importante del mundo, Estudio Ghibli? ¿Por qué Ghibli? ¿Por qué anime? ¿Por qué Japón? ¿Por qué ahora casi 20 años más tarde del estreno de la película? ¿Por qué El Castillo Ambulante? ¿Por qué 3 colecciones con 3 películas? ¿Por qué no más? ¿O menos? ¿O antes? ¿Por qué?

Son muchas preguntas que me hago y que no sé contestar. Pero como cineasta, curiosa y un poquito otaku, puedo aventurarme a teorizar al respecto. Ya que eso haría un protagonista Ghibli. Y un poquito de aventura nunca está de más.

Lo que más claro está de todo, es que estás tres colaboraciones entre Hayao Miyazaki y Jonathan Anderson, director creativo de Loewe, son una fantasía en muchísimos niveles.

FASHION. MY OBSESSION WITH JACQUEMUS

«DECLARATION (CLARIFICATION) OF INTENT». I dare to write an eulogy about Simon (Porte JACQUEMUS) as if he were one of the great master couturiers of the 20th century. Admiration borders on obsession. Habeas corpus granted, I only have good opinions in this regard, all of which are clearly stated below.
According to my photo archive, the first image I saved a photo of JACQUEMUS was « LA BOMBA » t-shirt that they sold on their website («L’OBJET DU DESIR»). After seeing this, it is not clear to me the first time I heard about it, but among the hazy memories I have a very vivid feeling of fascination when I first saw the campaign video, directed by Gordon von Steiner. An alliance of 1:49 minutes that, indisputably, worked very well.

PHOTO. LILY

«Lily”, is a photography exhibition where the authors, Salvador Perez Arroyo and one multidisciplinary team represent psychological topics of the human mind and try develop with pictures some theories of the consciousness and the unconsciousness levels as are described by the psychologist.

But this exhibition is also related with the women’s universe. We are inspired in the special role of the women. They hold the most complete History of humanity evolution in their special dedication to the production of life and in the transmission of knowledge. Should be impossible to understand the evolution of the humanity without the language transmission or for example without the teaching of the skill to select between different aliments: smelling, touching, listening. The bridge between the physical life and the just born soul was covered historically by the women’s permanent teaching.

ART. MARÍA TERESA HINCAPIÉ

Recorriendo las salas del Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona, cruzo uno de los umbrales blancos, minimalisticamente cuadrados, y me topo con una serie de objetos cotidianos, (nada cuadrados, nada minimalistas) configurados con apariencia aleatoria: un zapato, una caja, un teléfono, un vestido…; un cuadro de cotidianeidad que atrapa mi interés.

En la pared anuncian: Representación de “Una cosa es una cosa”.

Y entonces descubro que detrás de algo tan banal como una “cosa” hay una mujer mística, reflexiva, provocadora; una fuerza de la naturaleza: María Teresa Hincapié. Una creadora de performance, donde el espectador tiene el privilegio de asistir al tan personal proceso de creación de una obra de arte, invitado al especial encuentro del universo con la artista. Creación en movimiento. Movimiento efímero. Instante irrepetible. Irreproducible.

Con el objeto, sus objetos; con la suma de artículos, uno tras otro, una y otra vez, hora tras hora…se abre una reflexión acerca del consumo y el universo que habitamos. Con su especial forma de tratarlos, de colocarlos y recolocarlos, vemos igualdad y a la vez valor único en cada uno, dotándolos de un aura propia.

FILM-FASHION. MAISON MARGIELA-GALIANO AND CINEMA INFERNO

When we read the name Maison Margiela we cannot help but go back to the not so distant past of the firm, when the creative direction was in the hands of Martin Margiela, its founder together with his then partner, the late Jenny Meirens. Those years of beginning and success catalogued the designer as one of the most avant-garde of his generation, working on designing clothes to be clothes, as an almost obsession for the product to be the protagonist, apart from the designer himself who avoided photos and spotlights, designing in a conceptual way and giving his designs an aura of intellectuality, deconstructing, simplifying. That is the flavour we had, when almost 10 years ago John Galiano became the creative director of the firm. Galiano for Margiela. La Maison betting on a radically different spirit from that of the firm in its beginnings. The king of theatrical haute couture, in each show he went to work for Maison Margiela. He seemed antagonistic, crazy. Yet he has been almost magical. Because in reality, everything Galiano touches with his wand is infected with his magic. With Galiano everything is possible, and with him art returns to fashion, that fusion that makes it different when it is produced. His shows are shows of creativity.

FILM. AS BESTAS

Cámara lenta, música inquietante… tonos marrones que se tornan en cuerpos de caballos salvajes que inundan el plano… caballos sin crines que trotan huyendo, cruzando el encuadre… y entonces: los hombres se abalanzan sin piedad al cuello del animal; sus cuerpos se fusionan, se retuercen brutalmente, y la violencia se impone. El abrazo implacable, el abrazo forzado, dominante y asfixiante… Entonces la cámara viaja hasta las fauces del animal, ahogadas en los brazos de los hombres que ahora dominan la imagen, y sentimos el aliento animal luchando por respirar… hasta finalmente rendirse… Y en ese arrebato de libertad manchado de violencia, la bestia se convierte en víctima y el ser humano se convierte en bestia.

Así inicia Sorogoyen el viaje por As Bestas, con una demostración de poder y fortaleza del hombre sobre la naturaleza; jugando este inicio como una metáfora del resto del film, donde los dos hermanos, Xan y Lorenzo, encarnan la manifestación de la ira tornada en violencia. El retrato de unas masculinidades que mirando al mundo moderno nos parecen lejanas y obsoletas; sin embargo, Sorogoyen nos pone el foco en esta realidad aldeana presente y actual, dirigiendo nuestra mirada hacia un lugar donde aún existen éstas, una estampa de la mano de una tensión dramática incesante.

FILM. I HAVE ELECTRIC DREAMS

We see how a father stops the car, goes out and hits his head against a blue wall, blood spills over his face. Eva, his teenage daughter steps out trying to stop him. And just like that you have a killer film opening that raises questions and you are hooked. Why does the father have this irrational outbursts of violence? How will it affect the world of our heroin? This are the questions that will take us through the second act.

The question is if the director Valentina Laurel can take us through the rest of the story without letting the tension fall. In the first act we want to get to know the characters, the world they live in, and their most inner conflicts. Here we have a teenage girl who wants to save her father from himself. Her intentions are set, we root for her because we empathize with this girl, we want the father to get his act together.

So, the conflict is a potent one. As soon as we empathize with our main character, we let the story take us where it wants to take us, but only for a short while.

FASHION. BALENCIAGA AND DEMNA GVASALIA

The risky and urban aesthetics of the designer, as well as his culture in the world of fashion, acquired from his previous experiences in other firms such as Maison Martin Margiela, Louis Vuitton and his own brand Vetements, has resulted in an interesting meeting between Demna Gvasalia and Balenciaga.
The designer defines himself as pragmatic and attempts to make his collections the reality of the street that cannot be ignored, and the truth is that the presentation of his collections are a spectacle that impacts, not only in terms of his designs but also the staging, which far from being theatrical, invites you to reflect on.

que bonita

The True Religion Music presents Qué Bonita, the official videoclip of the song
In collaboration with Juan Carmona Jr. and the voice of Amy Gill
Song written by Carlos Pérez-Carracedo López, Amy Gill & Howard Hayward

Our videoclip Qué Bonita is a project that comes from the need to break with the darkness we’ve lived through, a project that embraces the yearning for freedom that we’ve missed so much; the desire for summer, to go outside, to breathe and above all to dance, to make everything go back to the way it was before!

FASHION. ROKSANDA-x-FILA-FW22

Nothing as comforting and satisfying as the effect of a parachute opening is the latest Roksanda x Fila collaboration. Roksanda Illincic, creative director of the eponymous brand, uses all the materials and technical elements of sportswear to build a collection full of very interesting and contemporary shapes. Like many other brands (Loewe, Marc Jacobs, Craig Green) that are currently setting trends and the shape of the lines of new ways of dressing, Roksanda joins the Trendsetters Club this time mixed with Fila who brings to this tandem all the retro spirit of the sportswear of the 2000s.

CINE.EMILY

A film by Frances O’Conner

Emily Brontë was a mysterious woman and writer, who lived a short life, leaving us only with her masterpiece: Wuthering Heights.

Frances O’ Conner transforms Emily Brontë (played by Emma Mackey) in a modern, free-thinking, rebellious woman of flesh and blood in her debut film Emily. This is not a Biopic, or a documentary, what we have on our hands is a free interpretation of Emily’s life guiding us through the breath-taking and incredibly rainy Yorkshire landscapes. The film shows her sorrows, her joys, her romance and her road to Wuthering Heights. The film is sparkled with references of the book, and emulates a similar tone of mystery and tragedy. Initially I was surprised by how modern her story felt and how much I could relate to her. It shows a woman who wants to have “freedom of thought”, and who feels like an outsider in her society as well as in her own family, but manages to find her own voice by staying true to herself. On the other hand, O’Conner shows us a three-dimensional character, who has faults and can be cruel, as well as shy and envious. The film explores the complicated relationship between her and her sisters, and her very close friendship to her brother (played by Fionn Whitehead), which was equally a blessing and a curse.

CINE. LA PIEDAD

El actor y director Eduardo Casanova, se lanza sin miedo de nuevo a la pantalla de cine dirigiendo su segundo largometraje, La Piedad. Un atrevido proyecto donde, justamente, no hay piedad, no hay miramiento, no hay censura. Lo que sí hay es un artista que abraza la contemporaneidad sin miramientos; un atrevimiento con el que nos hemos encontrado en el Festival Internacional de Cine Fantástico de Catalunya, en Sitges.

Casanova centra su mirada en una extrema e hiperbolizada codependencia paternofilial, intensa relación protagonizada por Ángela Molina y Manuel Llunell, eternos madre e hijo.

GASTRONOMÍA. QUIQUE DACOSTA

Un espacio gastronómico donde la experiencia te transporta a un lugar siempre desconocido aunque no sea tu primera vez. A nosotros nos encanta y siempre apetece repetir. Hay que estar dispuesto a jugar y hacer un viaje al país de los sabores, las texturas y el placer.

Review of FENDI

The Startling Return of The Baguette. The bags were shown as part of Fendi’s resort 2023 collection. Womenswear creative director Kim Jones, chose to close the show big furry hats in white or neon green.  I love the total neon look.

TAKUYA YAMAGUCHI

Meet the Japanese hairstylist  Takuya Yamaguchi based in NY and his book Paused in NY, 100 mannequin heads quarantined” celebrating the immense variety of hairstyles influenced by the Black community.

MIU MIU «WOMEN TALES» and CARLA SIMÓ

As usual during the Venice International Film Festival, Miu Miu presents the 24th entry in its Women’s Tales film series with the film “Carta a mi madre para mi hijo”  by Carla Simón.  “With this film for Miu Miu Women’s Tales, I want to give my son what I didn’t have: a family history.” said Carla.

«ETROPIA»

Etropía is a manifesto in the making, the first act of Etro’s new course under the creative direction of Marco De Vincenzo. A series of portraits chronicle the connection between reality and utopia, identity and imagination. Etropía is a psychedelic journey where fashion plays a leading role in the search for individuality, drawing on the interaction between body and colour without resorting to any garments.

ALEXANDER McQUEEN and “PROCESS”

Alexander McQueen has announced the launch of “Process,” a new collaborative project in which the house has invited twelve international artists to create work in response to its Pre-Fall 2022 collection.

ALINA ZAMANOVA

Sorprende su exploración de las emociones y del feísmo en contraposición a la belleza en su obra en la que su protagonista es la mujer, y en la que combina las formas conocidas con lo digital como herramienta artística. Ella manifiesta que en estos momentos no se puede despreciar ninguna forma de hacer arte. Su obra sorprende por su fuerza.

PHOTO. CRISTINA GARCIA RODERO

One of the most internationally recognized Spanish photographers. The only Spanish member of the prestigious Magnum Agency. Her work is part of permanent museum collections.

MOLLY GODDARD and SARAH EDWARDS

Molly Goddard began her career in the world of fashion by creating her own brand in 2014. In a very short time she has won a space of respect and admiration in the difficult and exclusive world of show business

ALEX MERRY and GUCCI

British citizen, lives in Stroud, Gloucestershire, belongs to a family of artists, we can say that she is an illustrator, but she is not just an illustrator. Graduated from the University of the West of England with a first-class BA hons degree in Illustration. Collaborates with Gucci where she was called in by Alessandro Michelle to collaborate with him in the firm, where she apparently has creative freedom, has hand painted Gucci campaigns, and we see her works from large murals in the street to printed on brand garments; has made the murals that adorn, in a sensory journey, the area of the corridors of the Gucci Garden, in Florence, a place of extravagant luxury, in the same Palazzo della Mercanzzia that also hosts the Gucci Museum